Cruce de acusaciones entre Martin Garrix y Ellie Goulding por su colaboración con Guetta

Cruce de acusaciones entre Martin Garrix y Ellie Goulding por su colaboración con Guetta

¡Menudo lío!

En la última edición de Tomorrowland, Martin Garrix y David Guetta estrenaron So far away, una colaboración en la que, en un principio, ponía voz Ellie Goulding. En aquel momento fue todo un éxito que aumentó las ganas de que llegara el lanzamiento oficial.

Eso está al caer pero con variaciones. Al parecer, en el single que verá la luz, la voz de Goulding ha sido reemplazada por la voz masculina de Jamie Scott y la de la cantante original de la demo, Romy Dya.

Pero, ¿qué ha pasado para que se produzca este cambio? Ahí es donde llega el lío porque cada uno tiene su propia versión.

Cuando Garrix publicó un stories en el que confirmaba que la cantante estaba fuera del proyecto, el club de fans de Goulding publicó un mensaje en redes pidiendo explicaciones: “Martin Garrix publicó un vídeo en su historia de Instagram diciendo que So far away saldrá pronto. Creo que todos hemos escuchado los rumores sobre si Ellie será la voz definitiva o no, porque no se puede escuchar claramente en el vídeo”.

El DJ holandés no tardó en aclararlo: “Ya no será con Ellie”.

it’s not w Ellie anymore

— MARTIN GARRIX (@MartinGarrix) 21 de noviembre de 2017

Este tipo de colaboraciones siempre le han resultado muy rentables a la cantante que ha encajado en estas colaboraciones EDM. Por eso, uno de sus seguidores insistió, “por favor, lanza la canción con la voz de Ellie como remix o algo, ¡Sólo hazlo!”, pedía.

“Ella no quiere que salga”, contestó Garrix sin dar más explicaciones.

she didn’t want to release it

— MARTIN GARRIX (@MartinGarrix) 23 de noviembre de 2017

Ahí no se termina la historia porque los fans siguieron pidiendo explicaciones. Al final tuvo que salir la protagonista a dar la cara (en redes, eso sí) y dar su versión.

“Tocaron la canción en un festival antes de que siquiera yo escuchara el producto final y estuvo bien pero no fue bueno para mi managment y sello. Siempre me ha gustado mucho la canción”, explicó.

They played the song at a festival before I had even heard the finished product which I was cool with but it didn’t go down well with my management or label. I have always loved the song very much.

— Ellie Goulding (@elliegoulding) 23 de noviembre de 2017

Y no terminó ahí porque está claro que no le habían gustado las palabras de Garrix. “Lo de ‘ella no quiere lanzarla’ es completamente falso e injusto. ¡Yo amo la canción!”, aseguró, desmintiendo las palabras del DJ.

“She didn’t want to release it” is completely untrue and unfair. I love the song!

— Ellie Goulding (@elliegoulding) 23 de noviembre de 2017

Chango Spasiuk: Un punto de encuentro entre las polcas ucranianas, el folclore, el dub y la electrónica

Chango Spasiuk: Un punto de encuentro entre las polcas ucranianas, el folclore, el dub y la electrónica

El acordeonista festeja en Niceto los 20 años de "Polcas de mi tierra" con Chancha Via Circuito.

Eduardo Slusarczuk

Eduardo Slusarczuk

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“Es como si el proyecto Polcas de mi tierra nunca se terminara. Veinte años después de haberlo puesto en marcha, vas, seguís buscando y encontrando elementos que tienen que ver con esta construcción de la identidad cultural y la diversidad de la Argentina, que es un tesoro. Porque Polcas es un disco que celebra la diversidad.”

Desde algún lugar de Buenos Aires, sentado al piano mientras avanza el día con tracción a mates, Chango Spasiuk se mete en el mundo de Pino europeo, el proyecto compartido con Chancha Via Circuito con el que el 1° de diciembre, en Niceto Club, festeja las dos décadas de aquel trabajo en el que exploró la música de sus antepasados, y los 120 años de la llegada de los primeros inmigrantes ucranianos al país.

Unos días antes el acordeonista misionero, sus músicos y Pedro Canale, alma y cuerpo de Chancha Via Circuito, proyecto que con el tiempo fue pasando de la fusión de la electrónica con la cumbia a una afinidad más estrecha con el folclore, habían compartido algo del ensayo de su flamante sociedad, en la que la música ucraniana atravesada por los aires misioneros es intervenida por un beat manejado desde computadoras y dispositivos digitales.

Chango Spasiuk: Un punto de encuentro entre las polcas ucranianas, el folclore, el dub y la electrónica

Spasiuk y Chancha Via Circuito. Una "bella complicidad" (Foto: Andres DElia)

-En aquel momento, pusiste el foco en registrar aquellas músicas con la mayor pureza posible. ¿Por qué decidiste recrearla incorporando la electrónica y el dub de Chancha?

-Cuando quise hacer Polcas, y vi que era una música absolutamente viva, creí que lo mejor era grabarla ahí donde era algo cotidiano, y no emular algo de pasado en un estudio. Y hoy, aunque ya no están los hermanos Chinosky, ni mi madre, esa música sigue tan viva como en aquellos días. Y Chancha representa este momento estético; representa una herramienta que cuando hice el disco no existía. Entonces, la idea es intentar expresar aquel mundo sonoro a través de estas nuevas herramientas. Es un desafío. Para mí, intentarlo es un ejercicio maravilloso que, aunque podría evitarlo, elijo hacer más allá de los resultados.

-Pero a través de los ensayos con Pedro Canale, alma y cuerpo de Chancha Via Circuito, debés tener un juicio sobre lo que va saliendo.

-Para mí, resulta. Sólo que sería un acto de soberbia que yo lo diga. Alrededor de la música todo es tan subjetivo, que lo que para mí puede estar funcionando, para otro, no.

Cargando video…

-¿Probaste alguna otra sociedad, fuera de la que formaste con Pedro?

-Sí, pero no me gustó el resultado. Además, tenés que tener alguna afinidad estética con el otro. Esa magia de que al otro lo conmueva el mismo mundo sonoro que a mí, la encontré con Pedro Canale. Vamos en la misma dirección. Es como una bella complicidad. Pino europeo es una resignificación de esa música del campesino de Misiones, que cosecha la yerba mate, como mis abuelos y tantos otros. Me parece muy bello el contraste de esos rostros con esta tecnología tan actual.

-¿Cuales son los límites, a la hora de intervenir los temas de “Polcas”, teniendo en cuenta que se trata de una música de raíz?

-El límite es el que va con uno. A medida que vas avanzando, te encontrás con tus propias limitaciones. Uno se mueve con su capacidad, con su talento y consciente de hasta dónde puede llegar. Luego, son tan amplias las posibilidades, que vas trabajando motivado por una cuestuión emocional y anímica. Es tu propia búsqueda de la belleza, con estos elementos, como lo hago con mis otros proyectos, con el chamamé… El límite es no caer en el mamarracho. Y este proyecto no está planteado para ir en esa dirección.

-¿Cuál es la dirección?

-Jugar con estas nuevas herramientas. Es un encuentro entre mi mundo acústico y el electrónico. Es un universo sonoro en el que no deja de estar el Polcas original. Pero es como un cuadro que ahora es mucho más grande. Los elementos que estaban siguen estando, sólo que ahora se amplió un poco. Ese es mi concepto de desarrollo musical.

-¿El concierto sólo abarca “Polcas”?

-Por momentos, aparecen algunas melodías que no están dentro de las canciones originales. Más allá de eso, le pedí a Víctor Heredia que hiciera una versión en castellano de Canción de amor, que en el disco está sólo en ucraniano, y la van a hacer tres cantantes impresionantes, alternando las estrofas en ambos idiomas.

Chango Spasiuk: Un punto de encuentro entre las polcas ucranianas, el folclore, el dub y la electrónica

Chango Spasiuk y Chancha Via Circuito. Tradición y actualidad, para resignificar músicas ancestrales. (Foto: Andres DElia)

-¿Cómo fue el modo de trabajar? ¿Fuiste llevando vos las ideas a partir de las cuales avanzar, o fueron proponiendo los dos?

-Pasaron las dos cosas. Ibamos viendo qué se le ocurría a cada uno. Pedro trabajó sobre mis propuestas, y luego yo lo hice sobre las suyas. Si bien yo ya tenía una idea del inicio del concierto, con elementos del hip hop. Siempre traté de imaginar cómo sonaría rapeado el mundo de los inmigrantes.

Chango Spasiuk y Chancha Via Circuito presentan “Pino europeo” el 1 de diciembre a las 21, en Niceto Club, Niceto Vega 5510. Desde $400, por Ticketek.

Dorian: “Nunca había contado que hubo un momento en el que mi cuerpo y mi cabeza petaron”

Dorian: “Nunca había contado que hubo un momento en el que mi cuerpo y mi cabeza petaron”

Confesiones

Muchos conocieron a Dorian por La tormenta de arena, esa canción que sonaba en A tres metros sobre el cielo, la peli que marcó a una generación.

Pero el grupo catalán es mucho más y Armas para volar nos descubren todo lo que hay detrás. Un cancionero ilustrado que Marc Gili ha ido contextualizando para poder conocer su historia desde todos los ángulos.

En él nos descubren cómo han vivido desde dentro su aventura estos 15 años y nos revelan situaciones de las que no habían hablado antes como la depresión a la que tuvo que hacer frente Marc.

Charlar con él y con Belly Hernández es un lujo de esos que aprecian los que ansían poder mantener una buena conversación alejada de la superficialidad.

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A tres metros sobre el cielo, el process catalán, el errado sistema educativo, los momentos difíciles, el reggaeton, la música indie… no nos hemos dejado mucho en el tintero en una charla en la que Marc ha llevado la voz cantante.

Tú que recalcas tanto que hay que vivir el presente, en esta ocasión has tenido que mirar al pasado, ¿cómo lo has llevado?

La nostalgia es una enfermedad del alma, nos impide avanzar y mirar el futuro con una mirada clara y diáfana. La música de Dorian es una invitación a pensar que cualquier tiempo futuro es mejor en lugar de pensar que cualquier tiempo pasado lo fue.

Escribir un libro de letras de Dorian con textos autobiográficos que hacen balance de la banda puede parecer contradictorio pero no lo es.

Llevamos 12 años en la carretera sin parar y era momento de hacer balance. Nos ha ayudado a ordenar, de cara a nuestro público, lo que ha sido nuestra trayectoria.

Explicamos muchas cosas que no habíamos explicado en público y que, en algunos casos, no conocen ni nuestros amigos más íntimos. Este striptease emocional ha sido liberador para nosotros.

Ahora que has abierto el baúl de los recuerdos, ¿cuál dirías que es la etapa que más te ha ayudado a crecer personalmente?

En el libro quedan reflejadas perfectamente tres etapas que son la que también se ven en las letras de Dorian. La primera es la de Barcelona, con la explosión de la cultura de clubes y la música independiente, a finales de los 90. Fue el descubrimiento de la música electrónica, de la cultura subterránea, cómo las bandas empezábamos a colaborar entre nosotros, Sidonie, Love of Lesbian… fue un caldo de cultivo muy interesante. Nos enseñó muchas cosas de la vida aunque como banda éramos unos aprendices. Tuvimos más de 20 rechazos de discográficas. Hubo momentos dolorosos, de sentirte rechazado, pero fue una época feliz y divertida.

Luego llegó Madrid. Vinimos para 5 meses y nos quedamos 5 años. Vivimos un Madrid que nos ayudó a entrar en la edad adulta. Maduramos a leches. Fue el Madrid donde alcanzamos la profesionalidad como músicos.

La tercera etapa de aprendizaje fue Latinoamérica. Como banda nos profesionalizamos. Ya teníamos un nombre pero nos enfrentamos con nuevos públicos y nos dimos cuenta de que el mundo es muy grande y tenemos mucho que aprender. Esa influencia latinoamericana marca nuestros dos últimos discos.

Belly: A base de trabajo, de buenas canciones y de saber hacer nos hemos abierto camino pero lo normal es fracasar y lo normal es que la mayor parte de bandas que se forman acaban desapareciendo y es bueno mirar atrás y apreciar los momentos malos para apreciar el presente.

El objetivo inicial, con el que comenzasteis este proyecto hace 15 años, ¿es el mismo que el de ahora?

Este grupo tiene una virtud inalterable con el paso del tiempo y es la capacidad de entusiasmarse con las cosas. Seguimos teniendo un apego muy fuerte con la calle, estamos muy interesados por lo que esté pasando en las diferentes escenas musicales, lo que está escuchando la chavalada. Es una banda muy apegada a la calle y esa es la clave para seguir haciendo buenas canciones.

Cuando te vas separando y creando una burbujita ahí es donde empiezan a salir las canciones medianillas.

Con respecto a nuestro primer disco hemos perdido cierta ingenuidad y una mirada más cristalina de la vida pero ese punto vitalista y esas ganas de descubrir nuevos horizontes siguen inalterables.

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Hubo una etapa especialmente complicada, cuando pasaste por una depresión. ¿Fue inevitable llegar a ese punto?

Nunca había explicado públicamente, y lo hago en el libro, que tuve una depresión entre el segundo y el tercer disco. Mi cuerpo y mi cabeza petaron. Cuando todavía no te has roto vas tirando y crees que puedes aguantar y el cuerpo te suelta señales pero, como no te ha pasado antes, no las haces caso.

Un día te despiertas por la mañana y te das cuenta de que te quieres tirar por un balcón y dices, ‘¿qué está pasando aquí?’ Y al día siguiente paso lo mismo, y al siguiente, y cuando llevas un mes lo que te dicen es que te tienes que ir a casa.

Tuvimos que suspender las últimas fechas de esa gira y me recluí en mi piso de Lavapiés, solo, durante meses, a enfrentarme contra la peor parte de mí mismo.

Si el día estaba soleado yo lo veía nublado, físicamente lo veía nublado. Es espectacular pero es así.

El hecho de haber estudiado filosofía me dio una serie de armas para combatir según qué procesos mentales y eso influyó para que pudiera salir de esta depresión sin tomar fármacos. Gran lección de vida. Levanté el vuelo y empezaron a llegar notas por ahí y versos por allá y un día me di cuenta de que esa nube negra iba desapareciendo.

Si para él fue duro, para los que estabais ahí sin poder hacer nada, no lo fue menos, ¿no, Belly?

Belly: Te sientes muy impotente porque no puedes hacer nada para confortarle. Es una incomprensión total. Al final te das cuenta de dos cosas, o bien esa persona se reconstruye sola (que es lo que hizo Marc) o necesitas la experiencia de un profesional. Afortunadamente todo salió bien y de estos procesos se aprende mucho.

Más problemas habla de esas veces en las que uno se siente que no encaja en el mundo. ¿Habéis sentido que Dorian pasaba por esto en alguna ocasión?

A título personal esa sensación la tengo desde que tenía 10 años, era un niño bastante cenizo. En lugar de ver Los mundos de Yupi o Barrio Sésamo, veía Canción triste de Hill Street.

Eso contrasta con el espíritu positivo y vitalista de Dorian…

Como banda hemos sido incomprendidos sobre todo al principio de nuestra carrera. Tuvimos más de 20 rechazos de discográficas y fue doloroso porque cuando vas por el cuarto todavía tienes moral pero cuando vas por el 15 te quieres tirar por una ventana. Cuando vas por 20 dices, una de dos, o lo dejamos o vamos a muerte a por todas y tomamos la segunda opción porque no teníamos plan B.

El público fue el primer que nos apoyó.

El arte puede abrir caminos, despertar conciencias y sensibilidades y contribuir a salvar vidas de formas mucho más contundente que cualquier sistema educativo. Siendo de humanidades no podías hablar bien del sistema educativo, ¿no?

Es un drama. Los partidos políticos son incapaces de ponerse de acuerdo para hacer un pacto de Estado y crear un sistema educativo moderno, propio del siglo XXI, y que perdure y prepare a las generaciones del futuro para que estén preparadas para el mundo en el que ya vivimos.

Y arrinconan las humanidades hasta el punto de que el penúltimo ministro de cultura quiso casi eliminar la filosofía de los programas educativos.

Nos han enseñado más ciertas novelas, canciones, poemas, películas, que hemos descubierto en la calle, que todas las horas que pasamos haciendo ecuaciones en el instituto. Creo que en los institutos se tenía que enseñar psicología, inteligencia emocional, artes plásticas… y sobre todo creatividad que es necesaria para todos los aspectos en la vida.

Vienes del mundo de la filosofía, la reflexión, las preguntas existenciales… ¿crees que la gente de a pie está preparada para pensar tanto?

Soy una persona que se mezcla con todo tipo de gente y te puedo asegurar que de todo el mundo, si es una persona especial, puedes aprender algo.

Creo que la mayor parte de la gente tiene dentro el potencial de entender muchas cosas pero no se las han explicado y a lo mejor las sienten pero no las saben porque no se las han explicado, no las han trasladado a palabras y esa es la suerte que tenemos los que hemos podido leer libros y hemos estado interesados en diferentes procesos de aprendizaje.

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Creo que la gente es más sabia de lo que se suele pensar pero los medios de comunicación no están interesados en explicarles cosas. Nos interesa que la gente esté persiguiendo una zanahoria. Por eso es tan importante hacer canciones que digan cosas.

Canciones que ayuden a crear una identidad juvenil que según tú es algo que se está perdiendo.

Creo que el mundo de las tribus urbanas ha muerto. Creo que la cultura juvenil y la contracultura como vehículo de identidad ha sido sustituido por las grandes marcas de ropa que encontramos en las grandes capitales del mundo.

Pero felizmente, no es menos cierto que sigue habiendo muchos fenómenos musicales que del underground emergen a la superficie y surgen de la autenticidad. Por ejemplo, la música independiente española y su explosión en los últimos años o la música urbana y el trap, o ciertos ritmos cercanos al reguetón que están dando muchas alegrías musicales y han surgido de unos chicos que se grababan sus vídeos en casa con un móvil.

Hablas del reguetón y el trap que ha sido muy criticados por sus líricas y tú que eres tan preciosista en ese sentido, ¿cómo lo ves?

Creo que hay gente de todo tipo. Creo que hay mucho machismo pero no lo es todo. Hay gente que está en otras historias. Me gusta escuchar la vertiente femenina. Me gusta cómo las chicas le han dado la vuelta a este machismo y explican la historia desde su perspectiva.

No todo en el bando de los chicos es machismo. Es verdad que en estas letras se está frivolizando mucho y banalizan incluso la violencia machista en algunas letras pero hay de todo, no es todo así. A nivel musical suceden cosas muy interesantes y creo que hay que darles la bienvenida y estoy seguro de que surgirán nuevos héroes que hablarán de otras cosas, como ya sucedió con el rap.

Hay temas más costumbristas como El temblor. Supongo que tras lo ocurrido este año habrá cobrado una fuerza mayor para vosotros, ¿no?

Prácticamente no habíamos hablado en público es de que en una ocasión estuvimos a punto de morir por un temblor en México.

Suena un poco exagerado…

No, no, no, no…te puedo asegurar que fue así. Fue un terremoto de 7.8. Fue una experiencia traumática para la banda y de ahí surgió esta canción que es una de las más queridas por el público. Habla de México, habla de amor, de desamor, es una canción muy dramática, muy fuerte y muy hermosa.

En este último terremoto en México han muerto cerca de mil personas, ha sido muy duro. Tocamos ahí hace dos semanas y durante ese viaje vimos que la ciudad sigue muy tocada en su estado de ánimo. Fue muy emocionante tocarla en el Zócalo porque empezamos cantándola a capela y la gente se puso a cantarla con nosotros y fue un punto catártico.

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¿Todavía se puede hablar de música indie?

Eres independiente cuando llevas las riendas de tu carrera. Siempre hemos estado en discográficas independientes y ahora publicamos nuestros discos desde la autogestión en ocho países. Nos las hemos apañado para ser nuestra propia multi.

Creo que el espíritu indie sigue vivo porque hasta las bandas más masivas de nuestro país surgidas de la escena independiente en origen siguen poniendo los criterios artísticos por encima de los comerciales.

Love of Lesbian, Vetusta Morla… siguen siendo independientes…

Belly: No tiene que ver con el volumen de personas que tú muevas ni tiene que ver con que suenes en LOS40. No dejas de ser indie por sonar en LOS40.

Marc: También sonaron Nirvana, Radio Futura, Nacha Pop y han sido bandas que han surgido del underground. Ahora está C.Tangana sonando en LOS40 que ha salido de la calle, también. Hay una confusión tremenda con este término.

Vuestro momento más ‘mainstream’ podríamos decir que fue cuando La tormenta de arena entró en la banda sonora de A tres metros sobre el cielo, ¿qué supuso para vosotros?

Belly: Cuando nos lo propuso el director, que era muy fan de Dorian, no teníamos ni idea de qué tipo de película era ni que era una película que iba a tener esta importancia, no lo sabía nadie.

La dimos un poco a ciegas y sorpresa que se convirtió en un fenómeno juvenil, no sólo aquí sino también en Latinoamérica y es raro porque no existen muchos fenómenos de estos, una película fetiche de una generación de jóvenes.

La sienten muy suya todavía y pasan los años y todavía hay gente que nos dice que se ha acercado a nosotros a raíz de esa película. Es increíble, es brutal poder llegar a un público de difícil acceso con tu música.

Nuevo disco en primavera de 2018 que nos llevará de nuevo a las pistas de baile, ¿no?

Por fin podemos decir que llevamos 8 meses trabajando en secreto total en un nuevo disco que va a salir en primavera y va a ser un regreso de Dorian a la electrónica y las pistas de baile y a las guitarras eléctricas después del disco desenchufados. El niño ya tiene cara, ojos y orejas y hay que rematarlo pero ya lo tenemos en el bote.

Teniendo en cuenta que no habéis rehuido de la temática social, ¿habrá ‘process’ en este disco?

No va a haber ‘process’ pero volveremos a tratar el asunto de la política en dos canciones. Siempre desde un punto de vista bastante elegante porque hay que tener cuidado para que no se vuelvan panfletarias.

Del ‘process’ estamos muy cansados todos, creo, creo que los políticos de un color y otro han sido muy irresponsables en estos últimos años, no merecen el sueldo que les pagamos los ciudadanos y nos haría felices que en 2018 se volviera a hablar de política y no de enfrentamientos.

Los ciudadanos debemos volver a conquistar la calle y la esfera política.

Corta el aire habla de dejarse fascinar por lo nuevo, incluso por lo que no comprendemos, ¿cuál ha sido vuestro último descubrimiento?

Ostras, es que son muchas cosas. Yo, personalmente tuve un problema de salud que me llevó a suspender algunos conciertos, en esta ocasión físico, tuve una hernia discal. Fue un problema fuerte que duró meses y seguí haciendo conciertos y la cagué. Ahora he aprendido a no forzar la maquinaria.

La lección más importante que he aprendido en los últimos dos años ha sido sacar tiempo para mi familia y mis amigos y reservarlo contra viento y marea. Y saber decir no.

Gorillaz, el regreso de LCD Soundsystem y el dj set de Diplo, en el 25º aniversario del Sónar

Gorillaz, el regreso de LCD Soundsystem y el dj set de Diplo, en el 25º aniversario del Sónar

Más de 130 shows e invitados de honor para una celebración histórica

El 25º aniversario del Sónar promete convertirse en un acontecimiento por todo lo alto. Además de utilizar la música para contactar con otros planetas del universo y descubrir así si hay o no vida en otros planetas, el Festival de Barcelona pretende formar un cartel único e irrepetible.

Para ello cuenta con 33 nombres ya confirmados, artistas entre los que destacan Gorillaz, LCD Soundsystem, Diplo, Richie Hawtin, Bonobo y Ólafur Arnalds.

arstistas programados hasta ahora

Gorillaz, LCD Soundsystem, Diplo, Richie Hawtin CLOSE, Bonobo, Laurent Garnier, Wiley, Black Coffee, Bicep live, Orquestra Simfònica de Barcelona + Brad Lubman play Terry Riley: IN C, Ólafur Arnalds, Helena Hauff, Tony Humphries, Kode9 x Koji Morimoto AV, George FitzGerald live, Lorenzo Senni, Rels B, Daedelus, Maribou State, Studio Barnhus, Dinamarca, DITC Sound, Jamz Supernova, Francisco López, Jarami, Mueveloreina, Nídia, Violet x Photonz, Yuzo Koshiro x Motohiro Kawashima live, y hasta 135 shows.

Esta 25ª edición, que tendrá lugar entre el 14 y el 16 de junio, se consagra como la gran cita anual de los sonidos electrónicos, urbanos y experimentales. En total habrá más de 130 shows e invitados de honor para una celebración histórica.

Hasta que lleguen las fechas, puedes ir disfrutando de una playlist introductoria a los primeros sonidos de #sonar2018.

Shakira reaparece con un mensaje de su puño y letra

Shakira reaparece con un mensaje de su puño y letra

¿Qué quiere decirnos?

Shakira ha reaparecido tras tener que posponer su gira El Dorado World Tour a 2018 por un problema en las cuerdas vocales. La colombiana se había ausentado de las redes sociales por sus problemas de salud, pero esta semana ha querido lanzar un mensaje.

De su puño y letra, la cantante ha escrito un mensaje dirigido a sus fans y a los promotores de un premio que acaba de recibir, ¿de qué se trata?

"¡Gracias! Los quiero mucho"

La cantante de Me enamoré ha querido agradecer su premio Grammy Latino al Mejor Álbum Vocal Pop Contemporáneo y también se ha mostrado emocionada por la nueva nominación al americano.

¡Gracias por hacer realidad ese Grammy latino y esta nominación de hoy al Grammy americano! ¡Todo se los debo a ustedes! ¡Los quiero mucho!

Después de pasar unas semanas duras por la enfermedad que le impide regresar a los escenarios, la artista se ha mostrado vital y contenta en las redes sociales con este reconocimiento internacional.

Gracias por hacer realidad ese Grammy latino y esta nominación de hoy al Grammy americano! Todo se los debo a ustedes!! Los quiero mucho! / Thanks to all of you for making that Latin Grammy win a reality and today's nomination for an American Grammy possible! It's all because of you!! Shak

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Su regreso, aplazado a 2018

Hace unas semanas supimos que por prescripción médica la colombiana tendrá que verse apartada de los escenarios hasta el año que viene. Algo que no ha afectado a su gira que no ha sido cancelada sino aplazada, por lo que los conciertos que tenía previstos los ofrecerá en 2018.

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Sin duda, este gesto es el signo de las ganas de recuperarse que tiene Shakira y augura que más pronto que tarde volveremos a disfrutar de su arte.

Los remixes más inesperados que han surgido este 2017

Los remixes más inesperados que han surgido este 2017

De J Balvin con Beyoncé a C Tangana con French Montana

Si por algo se ha caracterizado el año 2017, en el terreno musical, es por la cantidad de remixes que han surgido a partir de colaboraciones totalmente inesperadas.

¿Cuándo hubiésemos imaginado que Luis Fonsi y Justin Bieber unirían sus voces en un remix de Despacito? ¿Y CNCO con Little Mix? ¿Y J Balvin con Beyoncé?

A priori parecía muy loco, pero ahora parece que no hay éxito sin su correspondiente remix. Las nuevas versiones colaborativas se han convertido en la clave del éxito de los artistas.

MÁS INFORMACIÓN

foto¿AMISTAD O INGRESOS? ANALIZAMOS EL PORQUÉ DE LAS COLABORACIONES

En LOS40 hemos seleccionado aquellos remixes que más fuerte han pegado durante estos meses. Recuerda que no hablamos de colaboraciones que surgen desde el principio para una canción, si no de aquellos temas que surgen después.

CNCO, Little Mix – Reggaetón Lento

Luis Fonsi, Daddy Yankee – Despacito

Lorde, Khalid, Post Malone, SZA – Homemade Dynamite

J Balvin, Willy William, Beyoncé – Mi Gente

Camila Cabello, Daddy Yankee – Havana

OneRepublic, Sebastián Yatra – No Vacancy

The Script, Nicky Jam – Rain

C. Tangana, Farruko, French Montana – Mala Mujer

Piso 21, Anne-Marie – Besándote

Justin Bieber, BloodPop®, Julia Michaels – Friends

Beatriz Luengo: “No siento que pudiese encajar dentro del género reggaetón”

Beatriz Luengo: "No siento que pudiese encajar dentro del género reggaetón"

Hablamos con la cantante de su próximo disco: 'Cuerpo y alma'

Beatriz Luengo es de esas artistas que siempre han tenido claro hacia dónde querían llevar su carrera musical. Aunque no siempre ha podido hacerlo, ahora pone su “cuerpo y alma” para ello.

La cantante madrileña de 34 años tuvo que irse a Francia para que la tomarán en serio en la industria de la música. Allí, gracias a Carrousel, consiguió toda una legión de seguidores. Pero Luengo no se quedó ahí. La artista saltó a Latinoamérica y siguió labrándose un nombre en la música. ¡Y vamos si los consiguió! La artista madrileña puede presumir de tener un Grammy Latino por escribir el disco de A quien me quiera escuchar de Ricky Martin, prueba de que dejó atrás hace mucho tiempo la sombra de Un Paso Adelante.

Beatriz Luengo prepara 'Cuerpo y alma' /

Tras varios años de exilio mediático en España, Bea reapareció el año pasado en la quinta edición de Tu Cara Me Suena. ¡Y tanto que nos sonaba! Su rostro había llenado carpetas al principio del 2000 gracias al fenómeno UPA Dance. Pero eso ya pertenece al pasado.

El futuro es Cuerpo y alma, su quinto álbum de estudio. Un disco que saldrá a priori en Febrero y que Beatriz asegura que es “el disco más bonito de su carrera”.

¿Cómo será Cuerpo y Alma?

“Entre mi disco anterior y este he vivido muchos procesos. Primero porque me he conocido mejor a mí misma, la manera de plasmarme en un papel; y segundo porque han sido unos años muy difíciles para mí a nivel personal”, nos dice Bea en una entrevista que nos concede a LOS40.com

El porqué del título de este quinto álbum, Cuerpo y alma, tiene explicación: “Siempre he estado trabajando dos mundos: componer sobre música orgánica con piano y guitarra para baladas y los beat (ritmos) para los artistas urbanos. La diferencia que vais a encontrar en mi disco entre los temas que van en alma y en cuerpo es que los primeros nacen de una y los segundos nacen a partir de los beats.”

Beatriz Luengo está trabajando en su nuevo disco /

Aunque Bea haya demostrado que se defiende en varios idiomas a la hora de cantar, esta vez lo hará totalmente en castellano. Eso sí, pronto podremos escuchar una versión en francés de uno de sus singles: “Vamos a hacer una versión en francés de Más que suerte con un artista que me gusta mucho en Francia. Su equipo nos ha pedido directamente la posibilidad de hacer algo con él y le enseñamos esta canción”.

A pesar de que Luengo ha escrito algunas de las canciones de reggaetón más exitosas de los últimos años, como La Mordidita, en Cuerpo y alma no acucharemos este género. Al menos tal y como lo conocemos. “Tengo la sensación de que todo lo nuevo que suena urbano latino ya le ponen el nombre de reggaetón”, declara la artista.

“A mí el ritmo del reggaetón me parece súper cool y para bailar es lo mejor. Pero yo no siento que pudiese encajar dentro del género de reggaetón como lo entiende la gente”, dice Bea. ¡Eso sí! También asegura que está “súper orgullosa” de componer reggaetón para otros.

Beatriz Luengo, detrás de varios éxitos latinos

Y es que Luengo ha compuesto para algunos de los artistas latinos del momento. De hecho, a pesar de estar totalmente involucrada en su disco, acaba de escribirle un single a Ozuna: “Lo hice puntualmente porque me parecía interesante y me apetecía”.

Pero no es con el único con el que ha trabajado este año. Luengo también ha participado en el nuevo disco de Jennifer López y participará en el proceso de creación del nuevo tema de Ricky Martin: “Ahora estoy involucrada en el nuevo single de Ricky Martín porque tengo una deuda con él”.

Además, Luengo tiene claro que quiere continuar componiendo para otros: “Para mí las composiciones es formar parte de la industria viva y orgánica. Es como renovarme todo el tiempo y me encanta. No quiero perderlo”.

No hay duda de que Luengo es una todoterreno que se ha ganado a pulso su hueco en la industria musical. Porque sí, Bea es cuerpo y alma y eso se siente en las canciones.

Beatriz Luengo se reconcilia con upa dance

Aunque Beatriz Luengo dijese la semana pasada en Operación Triunfo que tuvo una época en la que decía que UPA Dance no tenía nada que ver con ella, la artista lleva años reconciliada con este pasado: “Siempre aclaro que para mí una cosa es Un Paso Adelante y otra cosa es UPA Dance. No ha habido un segundo en mi vida donde yo haya puesto en duda que lo mejor que me pasó en mi vida fue Un paso Adelante.”

Pero la serie, no era lo mismo que el grupo de música que surgió de ella: “UPA Dance como proyecto, sí. Pero fue algo muy difícil de digerir para mí porque nadie nos dijo que íbamos a grabar un disco, a sonar en la radio y a dar conciertos. La gente se pensaba que era un grupo real. Fue difícil.”

Y es que Luengo desde que tenía 18 años tuvo claro hacia dónde quería llevar su carrera musical: “Quería mis propuestas musicales, mejores o peores, pero las tenía súper claras. De repente, era muy consciente de que eso me iba a pesar. Cada éxito de UPA , en mi cabeza era como “Dios mío, esto cómo me lo voy a quitar”.

Pero visto con el tiempo, Beatriz lo ve como una experiencia positiva: “Fue un regalo y un aprendizaje que me pasase eso. Y todos los fans que me han estado siguiendo a lo largo de los años. También los que ahora me reencuentran. Es bonito que un fan te diga que te ha reencontrado. Significa que un momento signifique algo para ti. En el concepto de UPA Dance me siento muy reconciliada o muy consciente de que no lo supe entender.”

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Havana

2

Carátula de: Dusk till dawn

Zayn Malik;Sia

Dusk till dawn

3

Carátula de: Woodstock

Portugal. The Man

Feel it still

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Radiohead vuelve a tocar en la Argentina

Radiohead vuelve a tocar en la Argentina

Serán el número central del Festival Soundhearts, que se hará en Tecnópolis en abril.

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La espera terminó. Radiohead, uno de los grupos musicales más populares y célebres de las últimas dos décadas, retorna a la Argentina para presentarse por segunda vez en el país. La ansiada cita será el sábado 14 de abril de 2018, en Tecnópolis (General Paz y Constituyentes, Vicente López), donde la banda británica encabezará el festival Soundhearts.

Luego de algunos rumores, el grupo liderado por Thom Yorke confirmó que pisará nuevamente suelo argentino tras su primera visita en el país, en el Club Ciudad de Buenos Aires -en la apertura del festival Quilmes Rock- en marzo de 2009.

En Tecnópolis, serán el número central del Soundhearts festival: un paseo mágico que se centrará en los británicos, las grandes estrellas de la noche, además de los Flying Lotus, Junun y Rocco Posca, acompañando el line up.

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De este modo, los headliners, o sea Radiohead, el quinteto formado en Oxford mediando los '80: Yorke, Jonny Greenwood (guitarra líder), Colin Greenwood (bajo), Ed O' Brien (guitarra) y Philip Selway (batería), repasarán todos sus éxitos dentro de un contexto ambicioso. Es que los ingleses, a mitad de este año, conmemoraron el 20° aniversario de OK Computer, uno de los álbumes fundamentales de la historia de la música actual y la cultura del rock. El grupo había anunciado la reedición de su obra cumbre, OK Computer OKNOTOK 1997–2017, el 23 de junio pasado. Así, la banda comandada por Yorke compartió la canción inédita I Promise, en todas las plataformas digitales que se incluyó en el disco conmemorativo. Y hasta lanzó un video.

Radiohead vuelve a tocar en la Argentina

Radiohead vuelve a la Argentina.

Con su enfoque crítico sobre los efectos deshumanizantes de la vida moderna (alienación, paranoia, depresión y fobias varias), para algunos especialistas en la materia OK Computer fue -ya en 1997- "el primer disco de rock del siglo XXI". El opus magnum de los ingleses, que será revisado de manera retrospectiva, es uno de los principales puntos de atracción para que miles de argentinos vayan a escucharlos por segunda vez. Pero, claro, el sentido principalmente artístico de Radiohead es siempre ir por más y no hacer lo que se espera de ellos. No sólo abordarán su gran obra (recientemente reeditada), sino que tienen nuevas canciones para hacerlas debutar en vivo en Argentina: las que se incluyen en The King of Limbs (2011) y en su último álbum de estudio A Moon Shaped Pool (2016).

La banda británica se conoció en los pasillos de la Abingdon School y se inició en los boliches de esa ciudad bajo el nombre de On A Friday. Cuando firmaron su primer contrato con EMI, se vieron forzados a encontrar el definitivo en el título de una canción de los Talking Heads: Radio Head (1986).

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En el comienzo hubo un trabajo, Pablo Honey (1993), en el que pelaron una sensibilidad y un grado de introspección que habría de contrastar con la avalancha de arrogancia y hedonismo que marcó a fuego el Brit Pop en los años siguientes con Oasis y Blur a la cabeza. Su carta de presentación fue Creep, un hit tan sufrido como magnético que rebotó a un lado y al otro del Atlántico y les hizo un lugar (importante por cierto) en la pantalla de MTV. El siguiente paso llegó dos años más tarde. Se llamó The Bends y, aunque suele ser mencionado como su trabajo más influyente, en verdad se trató de un punto de partida más accesible que su discografía posterior para "descendientes" como Coldplay, Travis o Keane, que hicieron del "melanco-pop" un estilo en sí mismo. Con esos antecedentes, se aliaron con el productor Nigel Godrich y consiguieron que tanto la crítica como el público les hicieran una reverencia. Ok Computer no sólo ganó el Grammy al mejor álbum de Rock Alternativo, sino que la revista británica Q lo eligió como el segundo mejor disco de todos los tiempos en las islas, nada más y nada menos que después de Revolver de los gloriosos Beatles.

Siguieron otros trabajos en Radiohead tras su álbum más exitoso: Kid A (2000), Amnesiac (2001), Hail to the Thief (2003) e In Rainbows (2007), el cual el propio Thom Yorke describió: "Estaba muy cansado de absorber el mundo exterior en nuestra música. Y la naturaleza íntima de este disco es una suerte de respuesta personal a un extraño clima de miedo generalizado. Es nuestra manera de cerrar los postigos y dejar que nuestro instinto de supervivencia nos guíe". Aquel álbum fue la última producción antes de pisar la Argentina por primera vez, en 2009. En esta esperada próxima cita, los ingleses tendrán dos álbumes más compartir, además de sus masterpieces: Ok Computer y The Bends.

Sí. La espera terminó.

“La ciudad liberada”: Fito Páez y su insaciable máquina de disparar canciones

"La ciudad liberada": Fito Páez y su insaciable máquina de disparar canciones

A través de 18 temas, el músico exhibe todas sus facetas y redondea el mejor álbum de los últimos diez años.

Eduardo Slusarczuk

Eduardo Slusarczuk

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“Las palabras me hacen falta/Me hacen falta cien millones de palabras/Las palabras siempre se las lleva el viento/Pero yo las necesito somos dos viejos amantes/Muy chiflados, muy astutos, desafiantes…”

Faltaba mucho, cuando Fito Páez grabó Las palabras -que de ahí son estos versos-, para la edición de La ciudad liberada. Y desde entonces hasta ahora el muchacho rosarino escribió palabras; un montón. Y dijo muchas, también.

Algunas, precisas. Otras, no tanto. Las suficientes, de unas y de otras, para que muchos lo amen, y otros muchos no. La grieta. Estúpida y ridícula. Infantil y antigua; tan antigua que atrasaba cuando alguno le puso nombre.

“Las palabras me hacen trampa/Nunca creo en lo dicen tus palabras/Las mías son iguales siempre meten confusión.” Ahá. Con que de eso se trata.

Pues bien; Fito Páez hizo un discazo. Eso. Es que mientras algunos siguen esperando un nuevo El amor después del amor, el hombre sigue haciendo canciones. Apunta y dispara; a veces al aire –Yo te amo, ponele-, a veces al centro del blanco –Rodolfo, quizás-, y en ocasiones, a dividir. En ésta, con casi nada de desperdicio, o de eso que se llama "resto".

Por ahí va la cosa con La ciudad liberada. Son 18 canciones; es mucho. Mucha música. Y muchas palabras. Entonces, la condición es escuchar varias veces. Ni dos ni tres ni cuatro. Seis es un buen número.

La primera es de acercamiento; la segunda, de comparación: que el final de Aleluya al sol hace recordar el de Mariposa Tecknicolor; que Tu vida mi vida tiene cosas de Charly; que La mujer torso y el hombre de la cola de ameba, con su piano a solas, tiene cosas de Rodolfo, como Plegaria nos lleva a El cuarto de al lado y también a Buena estrella. El ataque de los gorilas tiene algo que ver con Los buenos tiempos; y el juego de las similitudes, si uno quiere, se puede extender al infinito y más allá. Dos verdades o maneras de verlo. La primera: Fito se repite. La segunda: Fito se puede repetir porque tiene “obra”.

La tercera escucha es la de la decantación. Si al disco le sacáramos Otra vez el sol, 5778, Chica mágica y Se terminó, La ciudad liberada seguiría siendo un discazo. ¿Sobran? No. Pero si eran 14 estaba igual de bien. Igual, en los tiempos que corren -eso: corren-, proponer un disco de 70 minutos puede que no sea patear el tablero, pero al menos lo mueve un poquito.

aLa cuarta vez es la de la desconfianza y el escrutinio. ¿Qué significa esa tapa? ¿De qué pibes habla Páez cuando dice que desea una ciudad en la que “no les metan más bala”, en La ciudad liberada? ¿Qué quiere decir cuando canta que “la revolución cubana pega un giro más hermoso y profundo”, en Se terminó? ¿Qué tiene que ver Islamabad con “los desaparecidos”? ¿Quiénes son los “miserables/de la Constitución?De qué habla Fito cuando canta de lo que canta? ¿Dejará alguna vez de bajar línea?¿Por qué debería dejar de hacerlo, si de Cuervos en casa para acá es así? Listo: tómalo o déjalo. Confiá. O no.

Al fin de cuentas… "Las palabras hacen trampa/Nunca creo en lo que nombran las palabras/Ahí se esconden muchos tontos importantes/Pero no te creas nada de lo que te diga nadie"

La quinta es la del relax.

La sexta; esa es la que vale. Ahí es cuando te das cuenta, finalmente, de que La ciudad liberada no es otra cosa que Fito Páez en todas versiones. Desgarrado en Islamabad, furiosa, rockera y flamenca, tan cerca de medio oriente como del tango de Bajo Fondo. “El más fuerte, el más fuerte/es el que se equivoca de camino”. Y eso es ganar.

En la canción que le da título al disco, tras un inicio Dylaniano, el rosarino desemboca y se desboca, rockero y contundente. “Pelear contra los nazis y los fachos de mierda”, canta. Pero también: "Quiero vivir en la ciudad liberada/donde el amor explote en todas las plazas", reclama (¿y quién no?); y también: “Una ciudad de sexo desenfrenada”, antes de que la guitarra de Joaquín Carámbula derrita los baffles.

Wo Wo Wo es una buena harrisoneada, con Fabi Cantilo –"Fabi estaba desnuda volando en el techo/con su Gibson negra y una boa enroscada en su cuerpo desnudo"-protagonista de la historia y también, con Déborah Dixon, de los coros. Si prueban engancharla con Isn’t It a Pity, que el beatle grabó en 1970, el combo cierra perfecto. La que le sigue, Tu vida mi vida, fluye simple, con aires de un García (Charly) algo lejano.

"La ciudad liberada": Fito Páez y su insaciable máquina de disparar canciones

Manifiesto. La foto de Nora Lezano, con dirección de Alejandro Ros, retrata el rostro de Páez con el cuerpo de Eugenia Kolodziej.

Amable y pra frente en Bohemia Internacional, tan Beach Beatle Boy y tan pianística, que replica, ya sin su espíritu de fanfarria, el “sha na na” de Aleluya al sol. Una de esas que al principio detestás, y que a los dos minutos vas cantando por la calle. "Muy naif", dicen unos. ¿O será que el tiempo nos hizo perder la capacidad de creer en querer "hacer" un mundo mejor?

Mientras buscamos un respuesta piadosa, sobre un piano delicioso Paéz habla de besar a “las cebras de Tijuana”. Porque esta vez, la literalidad al mango de los últimos Fitos le cede un saludable espacio a la figuración. Ahí vuelan “las “moscas de alas de bronce” de La mujer torso… , y pasa eso de que “los pájaros de hidrógeno implotaron en el aire”, que cuenta Nuevo mundo, el capítulo tecno y casi dance del álbum, que también habla de “chiquitos encerrados en sus casas de plata/mirando por las redes como todos se matan”.

"Mis palabras son el centro del misterio Las palabras nos explican lo que nunca entenderemos Si fue cierto, fue mentira o si al fin fue todo un sueño"

Realidad y ficción. Lugares comunes, consignismo e iluminación. La claridad de Aleluya al sol y la oscuridad de Navidad negra; la corrección política de El ataque de los gorilas que denuncia la corrección política de los demás; la maestría para resumir en menos de tres minutos la historia animé de Chihiro, Haku y No-Face en Los cerezos blancos, esos que florecen en la primavera de Japón; el entramado de guitarras, teclados, voces y todo lo demás en el que deriva la introspectiva Soltá"Madre tierra padre sol/arránquenme la pena/ y arrójenla en el fondo del mar/ eso que me mira en el espejo/yo lo quiero soltar"; y el thriller folclórico de El secreto de su corazón.

Todo eso es La ciudad liberada.

Y cuando vuelva a sonar, será algo más. Y si no decimos que es excelente, es porque algunos seguimos esperando un nuevo El amor después del amor. Que así de jodidos somos.

“La ciudad liberada”

Calificación: Muy bueno​

Fito Páez Voz, piano, teclados Diego Olivero Guitarras y sintes Mariano Otero Bajo Gastón Baremberg Batería Juan Absatz, Fabi Cantilo y Carlos Vandera Coros. Más Déborah Dixon, Flor Crocci, Fabián gallardo, Joaquín Carámbula, Ignacio Jeannot, Antonio Carmona, Juan Carmona y Antonia Montoya.

"Hitchhiker" de Neil Young

El hombre que estaba solo y grababa

Hitchhiker es el nuevo álbum de Neil Young. es el número 38, y ya está en preparación el siguiente. A los 72, el cantautor canadiense está más activo que nunca, o al menos tan activo como siempre.

Pero Hitchhiker sólo tiene de nuevo la fecha de lanzamiento; su contenido es una decena de canciones que Young grabó a solas con su guitarra y su armónica, con el productor David Briggs en la consola, allá lejos y hace tiempo, la noche del 11 de agosto de 1976.

"La ciudad liberada": Fito Páez y su insaciable máquina de disparar canciones

Neil Young. Un viaje en el tiempo a voz y guitarra.

Según el propio Young contó alguna vez, el material había sido grabado con la intención de que fuera editado, pero la compañía discográfica, Reprise, consideró conveniente que las canciones fueran regrabadas con una banda de apoyo.

De hecho, el músico acató la sugerencia en varios casos. Human Highway fue registrada con banda en Comes a Time; The Old Country Waltz fue grabada con Crazy Horse para el álbum American Stars ‘n Bars, lo mismo que Powderfinger. En este último caso, la toma fue en vivo, y fue a parar a Rust Never Sleeps, disco en el que también fue incluida la toma original de Pocahontas, pero con sobregrabaciones.

En cambio, dos de las canciones que forman parte de Hitchhiker, Hawaii y Give Me Strength, nunca habían sido editadas. Y junto con las demás completan poco más de media hora de un atrapante viaje al universo de Young, en formato acústico y como si el hombre estuviera tocando ahí, al alcance de la mano. Con algunos comentarios que se filtran, y unas cuantas bellas impurezas.

Y en ese universo aparecen todos los elementos que le dan forma a su paisaje. Las montañas en las que caza su hermano, en Powderfinger, las drogas en esa especie de road-drug-movie que es la canción que le da título al disco, la ruta y su auto en Give Me Strength. Y también la política, como parte de ese mundo que alguna vez Reprise prefirió guardar. Y ahora, felizmente, editar.

50 en vuelo

Víctor Heredia (Sony Music)

El trovador sigue celebrando sus bodas de oro con la música, con una actualización de su repertorio, acompañado por invitados como Nahuel Pennisi, Silvio Rodríguez y Jairo, entre otros.

The Book of Souls – Live

Iron Maiden (Universal)

La legendaria banda de metal registró en un CD doble su gira de 2016/17, con un capítulo grabado en la cancha de Vélez, en marzo del año pasado.

¡México Por Siempre!

Luis Miguel (Warner)

Una vez más, el cantante mexicano vuelve a abrevar en la música de su tierra, con su característico sello vocal.

Karma

Cirse (Media Music)

La voz de Luciana Segovia al frente, y un corpus sonoro que exhibe un salto de calidad.

Master of Puppets

Metallica (Universal)

Reedición del clásico de la banda Los Angeles, con un CD con demos y entrevistas, y otro grabado en el The Damage, Inc. Tour..

Aterciopelados: De nuevo en la ruta y con la mirada puesta en el futuro

Aterciopelados: De nuevo en la ruta y con la mirada puesta en el futuro

Luego de cuatro años separados, Andrea Echeverri y Héctor Buitrago volvieron a unir fuerzas. Tocan en Niceto y anuncian nuevo disco.

Ezequiel Ruiz

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Después de un hiato de casi cuatro años, Andrea Echeverri y Héctor Buitrago volvieron a unirse como Aterciopelados, y plasmaron su reencuentro musical en un CD/DVD en vivo registrado en su Bogotá natal (Reluciente, Rechinante & Aterciopelado) que recoge y renueva lo más clásico de su repertorio, con el inoxidable Bolero falaz como pináculo. El año pasado se iban a presentar en Buenos Aires, en el festival Ciudad Emergente, pero el clima de esa noche tenía otros planes: una inclemente tormenta de viento que llenó de tierra los miles de pares de ojos que esperaban por el grupo (amplia mayoría de colombianos residentes en la ciudad) e hizo tambalear la estructura del escenario. Este miércoles tocarán en Niceto Club llueva, truene o relampaguee, en lo que será, como ellos definen, “el acto de recoger el fruto de las semillitas que germinamos en todo este tiempo”.

-¿Con qué se encontraron al volver juntos a los escenarios?

Andrea: Desde que nos reunimos recibimos regalos, buena energía, gente que se sabe las canciones, contemporáneos a nosotros que traen a sus hijos que han crecido con nuestra música. Es un momento lindo de mirar hacia atrás y de ver la trascendencia de todo un kilometraje. También muchos se han conectado con nuestros mensajes por fuera de la música y los hacen parte de su vida: el reciclaje, un estilo de vida sustentable, el Canto al agua, que es una movida impulsada por Héctor para tomar conciencia y cuidar más de este recurso natural.

Héctor: Creo que ahora estamos en una muy similar a los '90. Si bien ha cambiado la industria, tenemos una expectativa, una emoción y un espíritu muy similares a esa época. En el tiempo en que estuvimos separados, explotaron las redes sociales… Y ahora que volvimos, tuvimos que acomodarnos a esa manera de comunicación, a aprender a ser creativos también por ahí.

-Mientras estuvieron separados, Héctor hizo música más experimental y Andrea se puso todavía más cancionera. ¿Cómo fue juntar esas mitades?

Andrea: Estar sola me ha parecido muy rico, pues aprendí a hacer muchas cosas. Yo produje mis discos, pero no es algo que me fluya ni que me encante. Entonces, ahora, otra vez puedo hacer el pedacito que sé hacer mejor y puedo concentrarme más en cantar, componer, en pensar en los uniformes, en la estética y dejarle al joven Héctor el efecto de la guitarra, la base rítmica. Al tener más gente alrededor, descanso un poco: el trabajo independiente es agotador porque tienes que hacer lo que te gusta y lo que no te gusta, lo que sabes hacer y lo que no sabes hacer.

Héctor: Lo que cada uno hizo por su parte nos alimentó, no sólo en lo musical sino que también en lo personal, como artistas, en las composiciones. Y todo eso nuevo que aprendimos, ahora entró al funcionamiento de Aterciopelados.

Andrea: Estando separados no nos extrañamos tanto. Como decía, para mí producir es muy difícil y lejano, pero lo hice a mi manera. Yo compongo la canción y la visto un poco, apenas lo suficiente para que se sostuviera sola. Héctor es al revés: busca los sonidos por allá y luego ya cuando está el sonido dice: “Pongamosle una canción”. Ahora descanso cuando él escoge el sonido de la guitarra, porque no es mi vocabulario.

La reunión de Aterciopelados no se va a quedar en un mero revival de grandes éxitos. En mayo del año próximo, cuando se cumpla década de su último disco en estudio, Río, editarán un álbum de nuevas canciones. Dicen que ya tienen ocho listas (cinco de las cuales trabajaron con Cachorro López), y esperan juntar doce, más un bonus track que ya se puede escuchar y ver: se trata de He venido a pedirte perdón, compuesto por el icónico cantautor mexicano Juan Gabriel.

“Se viene un disco al estilo nuestro, con un poco de todas nuestras raíces pero sintonizando en el pop: ranchera, cumbia rebajada, cumbia andina, vallenato, champeta… Cada canción es un experimento diferente, con muchos ingredientes. Siempre fuimos bien auténticos, frescos y allá vamos”, cierran.