Maluma, rapado y con 17 años, se divierte con su “farandulera”

Maluma, rapado y con 17 años, se divierte con su “farandulera”

Analizamos su primer y último videoclip

Maluma, el colombiano que ha conquistado a todo el globo terráqueo, no comenzó su carrera musical con Borro Cassette. ¡Lo que lees! El joven artista ya contaba con una trayectoria de lo más curiosa.

Juan Luis Londoño Arias, más conocido como Maluma, publicó su primer videoclip en 2011, el de Farandulera, el tema con el que comenzó a ganarse un puesto entre las voces más reconocidas de Latinoamerica.

Lo cierto es que comparándolo con su último videoclip en solitario, El Préstamo, llama la atención la evolución física y vocal del artista. Eso sí, soltura ante una cámara la tenía en 2011, en 2018 y desde que nació. ¡Qué facilidad!

Por tanto, nos hemos atrevido a analizar la evolución del colombiano a través del videoclip de Farandulera, el primero de ellos, y el de El Préstamo, el último que ya supera los 190 millones de visualizaciones.

El físico

Es el primer aspecto que nos llama la atención. El Maluma que aparece en Farandulera parece el hijo del Maluma que nos conquista con El Préstamo. ¡Wow!

Desde un look rapado, con camiseta de tirantes blanca y un pantalón de chándal rojo a un estilo muy dandy latino con barba y lleno de tatuajes. ¡Menudo cambio!

Su voz

El autotune es el protagonista del tema del primer videoclip de Maluma. Aunque su voz también ha presentado una evolución evidente desde los 17 hasta los 24 años, los arreglos vocales se aprecian en mayor medida en su primer hit.

Ahora, en El Préstamo, es evidente que el colombiano regala una voz más madura pero menos retocada.

Los ritmos

Es otra de las grandes diferencias que se presentan entre estos dos temas. Hemos de tener en cuenta que Farandulera nace en 2011 con un Maluma recién fichado por Sony Music y con una trayectoria escasa. Es en esta época cuando el ritmo urbano latino, con una base más marcada, triunfa en los países de habla hispana.

Ahora todo ha cambiado. Con el boom del reggaetón más comercial y el pop latino, podríamos decir que Maluma se ha convertido en uno de los precursores de este último género.

La producción de los videoclips

Las nuevas tecnologías evolucionan, y con ello también lo hace la manera de producir los vídeos musicales. En este caso, casi podríamos decir que el videoclip de Farandulera se publicó con una producción casera, aunque no es así.

Lo cierto es que los recursos con los que se contaba hace unos años no se comparan con la gran cantidad de técnicas y aparatos de los que disponemos ahora. Del mismo modo ocurre con los programas de edición.

El Préstamo se presenta como una película. Su introducción aparece como un cortometraje profesional que abre paso al videoclip. Es una moda que ahora casi todos los artistas la utilizan, ¡y es una pasada!

Ahora que hemos expuesto las diferencias evolutivas entre ambos videoclips, queremos conocer tu opinión. ¿Cuál es tu Maluma favorito? ¿Prefieres el farandulero o el dandy latino que atraca bancos mientras canta su último hit?

La primera vez de… ¡AITANA!

La primera vez de… ¡AITANA!

Con su voz, logra transformar cualquier momento en mágico

Aunque al principio no terminaba de molarles al 100% la canción…

Lo malo, de Brisa Fenoy, ha convertido a Aitana War en un increíble fenómeno viral, ¡qué ha llegado hasta lo más alto de la lista de LOS40!

Se trata de un Número 1 que podremos disfrutar, en directo, en la mayor fiesta musical de la primavera. Aitana y Ana Guerra formarán parte del cartel de artistazos que este año se apuntan a LOS40 Primavera Pop 2018.

Un gran festival de música, que celebraremos esta semana en tres ciudades: Madrid el 4 de mayo, Rubí (Barcelona) el 5 de mayo y Málaga el 6 de mayo.

LOS40 Primavera Pop 2018 será, por tanto, una nueva oportunidad para disfrutar de la energía escénica de Ana Guerra y del flow de Aitana Ocaña, quien quizás es la concursante con mayor proyección nacional e internacional de OT 2017.

Su dulzura, su fragilidad y, al mismo tiempo, su fuerza, nos enamoraron durante todo el talent. Y eso ha hecho que, esta semana en LOS40, nos preguntemos: ¿cómo fue #LaPrimeraVezDe Aitana?

Nunca tuvo la certeza de que la música fuera a convertirse en su camino. Para Aitana se trataba de un hobby, un Plan B al que recurrir cuando necesitara expresar lo que sentía.

Con su voz, Aitana lograba transformar cualquier momento en mágico. Y, aunque ella no fuera consciente todavía, esa cualidad innata ya la convertía en artista, antes de entrar en OT.

Fue con 12 años cuando la catalana empezó a pensar que la música sería importante en su vida. Se dio cuenta tras interpretar el tema We Are The World, en una función de su colegio.

Desde entonces, no dejó de versionar éxitos como When I Was Your Man de Bruno Mars. Le regaló a toda su familia esta canción, en un cumpleaños sorpresa que le prepararon en la playa.

Aitana tenía eso que es tan difícil de encontrar: una voz con alma. Un alma que enamoró, desde el principio, a los profesores de Operación Triunfo.

¡Nada menos que Chandelier de Sia! Éste fue el tema que Aitana escogió para el casting final de OT. Ésta fue la canción con la que su plan B, su hobby, empezó a convertirse en su vida.

5SOS intenta versionar ‘Want You Back’ en español y este es el resultado

5SOS intenta versionar ‘Want You Back’ en español y este es el resultado

A petición vuestra, de los fans, para LOS40

Como ya sabéis, Michael, Luke, Calum y Ashton recibieron hace dos semanas a David Álvarez en Londres.

Fue en la capital de Reino Unido donde 5 Seconds Of Summer nos contó algunos detalles de su nueva etapa, una era que ha comenzado y que llegará a su máximo el 22 de junio, cuando lanzar Youngblood, su tercer álbum.

Además de contarnos que este trabajo es el más importante de su carrera, el grupo se atrevió a contestar a las preguntas de sus seguidores españoles. ¿Cuál es su serie favorita? ¿Qué se dirían a ellos mismos si retrocediese el tiempo?

Y sí, también se han atrevido a llevar a cabo un reto de sus fans y cantar un trocito de Want You Back en español… ¿Quieres ver el resultado? ¡Play!

¡Inaudito! Amaia Montero desaparece, por primera vez, de la portada de su disco

¡Inaudito! Amaia Montero desaparece, por primera vez, de la portada de su disco

Sustituye su cara por un famoso monumento

El nuevo disco de Amaia Montero sale a la venta el próximo 1 de junio. Es el cuarto álbum de la artista en solitario, un trabajo que sorprende por algo inaudito hasta ahora: la cantante no aparece en su portada.

A diferencia de toda su discografía anterior, Amaia Montero ha decidido no aparecer en la portada de su disco y sustituir su cara por la Torre Eiffel.

Nacidos Para Creer, así se llama este trabajo, presenta una imagen en blanco y negro con el famoso monumento dibujado con pequeños estrellas. Su primer single, del mismo nombre, fue el adelanto a lo que va a llegar próximamente.

De izquierda a derecha, portadas de los discos de Amaia Montero en solitario.

El segundo sencillo, Mi Buenos Aires, se estrena este viernes 4 de mayo. Este single es uno de los temas estrellas y, como ella misma ha desvelado, su videoclip ha sido rodado en París, una ciudad “mágica” para la cantante.

El próximo viernes 4 de mayo … single y vídeo de #MiBuenosAires y pre-venta de #NacidosParaCreer con sorpresas! 🤩 #MBA #VuelveAmaia

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La apuesta de Eurovisión: ¿vamos bien con una balada?

Cada edición del festival de Eurovisión abre un debate nuevo en torno a la canción elegida. Este año se dirimía sobre las tablas si España participaría con un dúo romántico o un dúo feminista reggaetonero. Ganó el dúo romántico compuesto por Amaia Romero y Alfred García y su tema Tu canción.

¿Demasiado flojo para un festival de la canción eurovisiva? Visto el ganador del año pasado, el portugués Salvador Sobral, se podría decir que los ritmos poperos o incluso electrónicos no son garantía de éxito. El luso se hizo con la primera posición con un tema cuya base instrumental era un piano y cantando una balada que enloqueció al público.

A pesar de que no sea, a priori, el ritmo que le pega a Eurovisión, no es la primera vez que España participa con una balada. Esta será la decimotercera vez que España lleve una canción de este género al festival. La última ocasión fue con Dancing in the rain, de Ruth Lorenzo, con la que se consiguió una novena posición en el festival del año 2014: la mejor posición lograda en los últimos catorce años, cuando Beth consiguió una octava plaza con su popero Dime.

GÉNEROS QUE HAN DOMINADO EUROVISIÓN

No hay fórmula mágica

Participar con un estilo u otro en el festival de Eurovisión y conseguir una buena posición no va de la mano, a juzgar por los datos. Si bien es cierto que normalmente han sido los temas de estilo pop o electrónico los que más han ganado, también se han colado estilos que rompían con el ‘poperismo’ del festival.

Fue el caso del Hard Rock Hallelujah del grupo Lordi, ganadores de la edición de Eurovisión en 2006. Tras unos años en que el pop y el dance se hacían con todo el liderato en el festival, los finlandeses consiguieron colar el heavy metal en lo preferido de la música europea.

El festival de Eurovisión, si algo es, es estética y estrategia. Ni usar un estilo, ni optar por un grupo, dúo o solista son apuestas seguras para conseguir una buena posición. Aunque algo sí destaca de los últimos años. Desde el año 2000 solo una canción de habla no inglesa ha ganado el festival: fue el año pasado, con Salvador Sobral, quien interpretó en portugués. El año anterior, 2016, la canción ganadora estaba interpretada a dos idiomas: inglés y tártaro.

La clave del idioma

Desde hace unos años, existe cierta polémica en torno al idioma escogido en el tema que representa a España en Eurovisión. Si bien es cierto que una participación en inglés dota de universalidad, desde hace unas ediciones el español se ha impuesto, también como norma de participación. Este año, TVE, ente organizador del proceso de selección de los participantes, puso como condición que la canción participante debía estar cantada en español.

De las 65 ediciones de Eurovisión, en 29 ha ganado un tema interpretado en inglés, 14 ocasiones en francés, 3 en neerlandés y 2 en español. Y aquí sí hay una tendencia clara: los primeros años, en la década de los 60, fueron aquellos en los que más respetaron los idiomas patrios: la variedad era clara y el país ganador interpretaba su canción en el idioma patrio.

A partir de los años 90 el inglés entra con fuerza y, aunque Irlanda ganó entre 1992 y 1996 en cuatro ocasiones -cuatro de cinco- el inglés comenzó a ser la lengua cantada entre canciones ganadoras que representaban a países como Estonia (2001), Letonia (2002), Turquía (2003) o Grecia (2005).

Christina Aguilera confirma a gritos Liberation

Christina Aguilera confirma a gritos Liberation

Lo malo es que aún no tiene fecha de lanzamiento

Llevamos muchos años escuchando aquello de que el nuevo disco de Christina Aguilera está en camino. Y por fin parece que en 2018 vamos a disfrutarlo.

Y digo parece porque pese a que la solista haya ofrecido un enigmático anuncio de su disco durante un show en Baku (Azerbaiyán) confirmando que Liberation podría ser su nuevo trabajo, no ha puesto fecha al estreno de este proyecto.

Toca, por tanto, seguir esperando a que Christina Aguilera ponga fecha de caducidad a los 6 años de espera que sumamos sin material inédito desde Lotus (2012).

IT'S TIME FOR A #LIBERATION!!! pic.twitter.com/XcnOP0tg3E

— Xtina Daily (@Xtina_Daily) 28 de abril de 2018

Y habrá que seguir muy pendientes de los rumores que circulan por las redes y que señalan que este trabajo podría estar más cerca de lo esperado.

Unos rumores que señalan que Mashochist podría ser el título del primer sencillo de un disco que estaría repleto de colaboraciones entre los que figurarían Demi Lovato, Ty Dolla Sign, 2Chainz…

Evidentemente algo se está cociendo en las cocinas de la industria musical ya que Christina Aguilera ha reaparecido en los medios causando un impacto mundial con su última transformación.

Fito Páez en el Luna Park: un arsenal de grandes canciones para liberar corazones

Fito Páez en el Luna Park: un arsenal de grandes canciones para liberar corazones

El rosarino presentó "La ciudad liberada" con un concierto que además incluyó una buena selección de sus clásicos.

Ezequiel Ruiz

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"Antes, en un momento, se había hecho un silencio que fue mágico, espeluznante… quiero que lo repitan para que pueda hacer algo que nunca hice acá en el Luna Park", pidió Fito Páez. También hizo señas para que se apagaran todas las luces del escenario y así, como un bailarín en la oscuridad, se despachó con una versión a capella y sin microfonear de Yo vengo a ofrecer mi corazón. Había pasado más de una hora y media del recital, con el artista y su banda totalmente entregados al feedback con la multitud que agotó cada butaca del Luna. Pero Fito llevó las cosas mucho más allá antes de los bises. Y hubo recompensa en forma de calidísima ovación.

El show del sábado 28 de abril -el primero de dos- estuvo basado en la presentación de La ciudad liberada, último trabajo de Páez que, a diferencia de varios de sus discos editados en los últimos 15 años, recibió buen trato tanto de su público como de la crítica. Así, conformó un repertorio dinámico al mezclar bloques de las nuevas canciones intercalados con sus clásicos más dorados, como para que el karaoke nunca decayera.

Como supo mantener a lo largo de su historia, a sus espaldas hubo una vez una banda concisa y compacta, que lo acompaña hace ya varios largos años y que sabe cómo interpretar los distintos lenguajes que maneja Fito. Entonces, Diego Olivero (bajo, teclados y dirección musical) Juan Absatz, (teclados y guitarras), Gastón Baremberg (batería) y el explosivo Juani Agüero (guitarrista) supieron exprimir esa cabeza que siempre funcionó como la torre de Babel que ahora vemos en el disco y en las gráficas de promoción del show, en la que una balada rompecorazones convive en armonía con rock de furiosa distorsión.

Pero quienes tienen un lugar casi protagónico en su historia, y la noche del sábado no fue la excepción, son las mujeres. Tanto como compañeras o como musas, siempre hay más de una sobre el escenario: esta vez, Fabiana Cantilo y Julieta Rada se hicieron cargo de las voces. Fabiana descolló Wo wo wo, mientras que el punto más alto de Julieta estuvo en el clímax de El amor después del amor.

Fito Páez presentó La ciudad liberada, en el Luna Park. Foto: Télam

Fito Páez presentó La ciudad liberada, en el Luna Park. Foto: Télam

Juntas, bailaron y se abrazaron en el momento de encarnar a Thelma y a Louise para Dos días en la vida. En las pantallas se vio la belleza cautivante de Eva de Dominici, que ingresó al universo Páez protagonizando el video de La ciudad liberada, primer tema de la noche tras el ingreso a lo boxeador con el riff machacante de Ciudad de pobres corazones. Y otra que se vio en pantalla fue Eugenia Kolodziej, actual novia de Fito y la que inspiró el hit Tu vida mi vida, de las mejores canciones que escribió alguna vez.

En la mitad del show, se dio un gesto poco usual en este tipo de encuentros. Fito presentó a Coki Debernardi ("más que amigo, un hermano, uno de los mejores artistas no solo de la Argentina sino del universo"), y le cedió el escenario y su banda para que cantara Medallita, una canción de su propia cosecha. Páez volvió a escena cambiado (dejó un traje azul por un uniforme más rockero: campera de cuero y jean negro) para tocar el piano mientras Coki le ponía su garganta con arena a Polaroid de locura ordinaria.

Si bien sonaron 11 de los 18 tracks que componen La ciudad liberada, el recital dejó la sensación de que allí hay todavía mucho por descubrir. Esa inmensidad que abarca el disco puede resumirse en dos instantes: para 5778, Fito dejó el piano y dirigió con los brazos cada uno de los elementos que componen ese intrigante instrumental. En tanto, en Islamabad, tema que lo sigue afirmando como preciso cronista de época (al igual que Navidad negra), se sumaron seis bailarinas tapadas con burkas, que se arrancaron en el trance rockero del tema dejando al descubierto unos ajustados trajes twerkeros.

Cuando ya no quedaba nada y tras la triada hitera compuesta por Dar es dar – Mariposa Technicolor – Y dale alegría a mi corazón hubo una última descarga de rock, que sonó más a catarsis que otra cosa. El diablo en tu corazón, a todo trapo y con Fito a los gritos, pidiéndole a Buenos Aires (y a todo el país) "cortá la mufa en el corazón". En los tiempos que corren, no hay mejor consejo que ese. Quien quiso oír, oyó.

Coro Polifónico Nacional: Repertorios que tienden un puente hacia nuevos públicos

Coro Polifónico Nacional: Repertorios que tienden un puente hacia nuevos públicos

Su director, José María Sciutto, resalta la necesidad sumar nuevos auditorios, pero sin demagogia. El 2 de mayo se presenta en el CCK.

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El nuevo director del Coro Polifónico Nacional, José María Sciutto, tiene entre sus principales propuestas abrir las actividades del cuerpo vocal a nuevos públicos a partir de sus repertorios. “Mi proyecto es tender un puente hacia nuevos públicos. Queremos conservar el auditorio que sigue al coro, pero también pretendemos sumar otros, sin entrar en demagogias", declara.

¿Qué significa eso? Que la intención es hacerlo "con repertorios de calidad, serios, sin bajar el nivel musical pero guiados por un espíritu abierto”. En ese sentido se enmarca el espectáculo Gloria al Gospel, que el Coro Polifónico Nacional con trío de jazz presentará este miércoles 2 de mayo, a las 20, en la Sala Sinfónica del CCK.

La aspiración José María Sciutto es atraer nuevos públicos a las presentación de la formación, de cuya primera presentación se cumplirán 50 años en septiembre.

La aspiración José María Sciutto es atraer nuevos públicos a las presentación de la formación, de cuya primera presentación se cumplirán 50 años en septiembre.

En efecto, este programa tendrá tres etapas, con cinco composiciones. “Pensé que Gloria, de John Rutter, en su versión reducida es una inmejorable obra para abrir el concierto. La orquesta con cuatro trompetas, tres trombones, tuba, órgano -usaremos ese maravilloso órgano que tiene la Sala Sinfónica-, timbal y percusión más el coro logran un momento importante como apertura; seguidamente, vendrá el trío de jazz, dirigido por el pianista y compositor Juan “Pollo” Raffo, con dos temas originales, Cuando ya no esté y Yerbal; y luego, Magnificat Gospel, de Robert Ray y Gospel Magnificat, de Patti Drenann, con el trío de Raffo, y el coro y Soledad De la Rosa como solista, una soprano excelente”, detalla Sciutto.

-¿Cómo fue la elección de incluir a un trío de jazz en este programa?

-A fines del año pasado dirigí a la Orquesta Juan de Dios Filiberto, en un programa que incluía una suite de Raffo. Fue ahí donde lo conocí y lo invité a participar de este proyecto con su trío. Es un músico de una gran solvencia académica y una historia importante dentro del jazz.

-¿Qué planes tiene el coro luego de “Gloria al Góspel”?

El coro juega en dos canchas. Por un lado, siempre están los conciertos del sinfónico coral junto con la Orquesta Sinfónica Nacional, y por el otro su actividad como coro polifónico. Habrá conciertos en los que hará Brahms, Mendelssohn y otros compositores, además de música argentina y latinoamericana. Mi idea es armar paquetes de repertorios con un claro sentido temático, que tengan un espíritu de unidad. Lo que podría definir como un collage original y racional.

El plan de Sciutto al frente del Polifónico Nacional es ampliar su repertorio; en este caso, el 'Pollo' Raffo, con una larga trayectoria que va del rock al tango, aportará dos piezas.

El plan de Sciutto al frente del Polifónico Nacional es ampliar su repertorio; en este caso, el Pollo Raffo, con una larga trayectoria que va del rock al tango, aportará dos piezas.

Sciutto, nacido en Junín, es director artístico del programa Musica per la Pace, y tiene una extensa carrera en el ámbito de las producciones sinfónico corales. Dirigió el Coro di Voce Bianche di Roma y el Laboratorio Corale dell’ Academia di Santa Cecilia, en Roma, entre muchos otros. En 2017 también fue director artístico del Schola Cantarum Argentina.

“Ya había trabajo como director invitado con la Orquesta Sinfónica Nacional, con la de Santa Fe, con la Entre Ríos, Bahía Blanca y Tucumán, entre otras, y también con programas sinfónico corales. Regresé a la Argentina desde Italia para desarrollar un trabajo llamado Pedagogía Coral para Niños, que utiliza una metodología global y me propusieron estar al frente de la coordinación general de coros del ministerio de Cultura. Mi aspiración es que la gente se apropie del Coro Nacional, porque es de todos”, concluye.

El Coro Nacional Polifónico y trío de jazz presentará "Gloria al Gospel", el miércoles 2, a las 20, en la Sala Sinfónica del CCK, Sarmiento 151. La entrada es gratuita. Luego lo hará el 6 de mayo, a 17, en la Parroquia San Patricio, en Mercedes y el 13, a las 16, en la Parroquia San José, en San Isidro.

Camila Moreno: “Me interesan los artistas que tienen rollo con la espiritualidad”

Camila Moreno: "Me interesan los artistas que tienen rollo con la espiritualidad"

La cantante chilena se despega de la "manada" de cantautores y dice que hace música con peligro.

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Se trata de una cantante que no admite rótulos, aunque su música transita por la canción, el pop y el rock pero sin quedarse en ningún género. La chilena Camila Moreno trae a Buenos Aires su último proyecto, Pangea, un trabajo de tono colectivo que expande las fronteras de sus composiciones en busca de una experiencia más sensorial.

“Los artistas que se queman en lo que hacen, que no tienen ningún pie fuera de lo que están haciendo, para mí son mis maestros”, dice la compositora durante la entrevista con Clarín. Moreno presentará su nueva propuesta, que recoge canciones de diferentes trabajos “pero hechas con mucha improvisación colectiva y nuevos arreglos que las han cambiado”, este domingo 29 de abril, a las 19, en el auditorio de la Usina del Arte.

Desde su primer trabajo discográfico, Almismotiempo, publicado en 2009, generó una fuerte repercusión en su país, especialmente por la nominación de la canción que lleva el nombre del álbum a los Grammy Latinos en el rubro Mejor Canción Alternativa. El foco apuntó hacia ella y la definió como cantautora. “Mi primer disco era un trabajo lleno de una energía juvenil; tenía mucha fuerza. Era pequeña e inocente", recuerda. Y agrega: "Fue un trabajo visceral; no tenía conciencia en la producción, ni en cómo quería que sonase. Lo hicimos con bastante urgencia y crudeza, y enseguida me definieron como parte de la manada de cantautores, lo cual no me hizo sentir cómoda, porque no tenía la idea de hacer un género o tocar guitarra de palo (acústica). Buscaba un espacio más exploratorio, y en Panal (su segundo disco, en 2012) hice una música súper íntima, lo hice desde muy adentro. Un disco para mí, para sentirme bien”.

-¿Buscaste desmarcarte del rótulo que te habían impuesto?

-Si, de alguna manera estas composiciones le quitaban verosimilitud a aquella definición de cantautora. No quería estar presa de esas etiquetas. Me parecía estúpido seguir peleando con ellas. No quería estar en una de esas cajitas rotuladas. Hago música que tiene que ver con las emociones, y en Panal queda en claro ese camino.

-¿Y “Mala madre” (2015) cómo llegó?

-Este disco fue como el lado extrovertido de Panal, al que lo veo como un organismo sobre sí mismo. Mala madre tiene un espíritu menos hermético y era hacer participar a la gente para que entrara en mi mundo. Es un trabajo con cierto gusto por el pop, al que detestaba, y al que sin embargo empecé a encontrarle un lado interesante, a disfrutarlo. Rompí mis prejuicios y comencé a escuchar el pop de una manera más integral. Me interesan los artistas que tienen rollo con la espiritualidad, con un motor con el que transmiten su verdad, su certeza. Esto me pasa no sólo con la música, por ejemplo, me sucede con la poeta chilena Cecilia Vicuña. Cualquier persona que hiciese lo que hace ella sería un hippie pero cuando lo hace ella es una experiencia tremenda. Los artistas que se queman en lo que hacen, que no tienen ningún pie fuera de lo que están haciendo, para mí esos son mis maestros, como Bjork, PJ Harvey o Charly García.

Moreno viene con Iván González en electrónica y guitarra, Diego Perinetti en guitarra y samples, Rodrigo Muñoz en bajo y Gabriel Holzapfel en batería. “En Pangea hay mucho rock, e improvisamos sobre canciones de Mala madre y Panal con nuevos arreglos. Hacemos una música con mucho peligro; pero también hay espacios para canciones de despecho, un espacio para la catarsis”, completa la cantante, que presentará la primera parte de este proyecto el 25 de mayo, en el Caupolicán, de Santiago de Chile. Será un disco doble que, además, contendrá un cortometraje de animación, un documental y un comic que hará en el segundo semestre de este año.

“El triunfo del honor”: La única ópera cómica de Scarlatti sube a escena

"El triunfo del honor": La única ópera cómica de Scarlatti sube a escena

El director de la Opera de Cámara del Colón, Marcelo Lombardero, explica la importancia de su programación en el ciclo que dirige, que abre su temporada 2018 el 29 de abril.

Federico Monjeau

Federico Monjeau

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La temporada de la Opera de Cámara del Colón abrirá el domingo 29 en el Centro Cultural 25 de Mayo (Av. Triunvirato 4444) con una pieza singuralísima de la ópera barroca: El triunfo del honor, la única ópera cómica de Alessandro Scarlatti, y la primera obra bufa que no se cantó en napolitano ni otro dialecto peninsular, sino en italiano.

Se trata de un auténtico rescate de la Opera de Cámara del Colón. A pesar de haber tenido un estreno considerablemente exitoso, la pieza de Scarlatti desapareció de los teatros líricos durante dos siglos, hasta su representación en Inglaterra en 1937 y la grabación de Carlo Maria Giulini para la RAI en la década del '50.

“Es una gran obra –explica Marcelo Lombardero, director de la Opera de Cámara del Colón-. Scarlatti tuvo un pequeño problema, que es haber sido contemporáneo de Bach, Haendel y Vivaldi, pero fue un músico fundamental y además muy experimental, que inventó el aria da capo y fue uno de los grandes cultores de la ópera seria en Nápoles”.

El triunfo del honor se estrenó hace exactamente 300 años en el Teatro dei Fiorentini de Nápoles. “No es lo que estamos celebrando, no hacemos un culto del onomástico –aclara Lombardero-, pero en todo caso se trata de una feliz coincidencia”. Este rescate de la Compañía del Colón ha implicado un auténtico trabajo musicológico, llevado a cabo por todo un equipo y editado bajo la cura del clavecinista Manuel de Olaso.

Violeta Zamudio. La regisseur será la encargada de la dirección de la puesta en escena de "El triunfo del honor".

Violeta Zamudio. La regisseur será la encargada de la dirección de la puesta en escena de "El triunfo del honor".

“A principios de siglo –cuenta Lombardero- un italiano hizo una versión al ‘uso nostro’ de la época. Si ves el libreto original (de Franceso Antonio Tullio), que está editado, y comparás con esa versión, te das cuenta de que ahí falta algo. Ocurre que el manuscrito original de Scarlatti estaba en la Biblioteca Chigiana de Siena, pero en un ala que se incendió en la Segunda Guerra. Afortunadamente esos manuscritos fueron fotografiados por un musicólogo inglés en los años ‘20, lo que da una versión de dos horas. En aquella versión al ‘uso nostro’ no sólo hay reducciones sino significativas ‘correcciones’. El triunfo del honor es una versión del Don Juan, aunque más cerca de la de Tirso de Molina que de la de Molière. Y en la versión corregida, Riccardo (Don Juan) es un tenor, mientras que en el original de Scarlatti ese personaje es nada menos que una soprano, lo que nos abre todo un mundo”.

También se ha tratado de recuperar un sonido general. La obra será interpretada en instrumentos originales (y se tocará en una afinación más baja que la habitual, con el la en 4:15 en vez del 4:40 de las orquestas modernas), y se ha convocado al eminente concertino austríaco Johannes Pramsohler.

El triunfo del honor subirá en un total de cuatro funciones (domingos 29 de abril y 6 de mayo a las 17, viernes 4 y sábado 5 de mayo a las 20), con dirección musical de Iñaki Encina Oyón, régie de Violeta Zamudio y escenografía de Carmen Auzmendi, mientras que el reparto está encabezado por Victoria Gaeta en el rol de Riccardo, y completado por Evelyn Ramírez, Flavio Oliver, Sofía di Benedetto, Pablo Urban, José Miranda, Cecilia Pastawski y Mariano Gladic.

Marcelo Lombardero. Director de la Opera de Cámara del Teatro Colón.

Marcelo Lombardero. Director de la Opera de Cámara del Teatro Colón.

El triunfo del honor, primer título de la temporada de la Opera de Cámara, en cierto modo forma pendant con otra pieza que la compañía estrenará en diciembre: Power her Face, del compositor inglés Thomas Adès, que se estrenó en 1995 y trata sobre el ocaso de un controvertido personaje de la aristocracia inglesa, Margaret, duquesa de Argyll. "Es una especie de Don Juan al revés -explica Lombardero-. Ella es una ninfómana, que paga por sexo hasta que se le acaba el dinero. Su caso deja al desnudo una gigantesca hipocresía, y Thomas Adès no nos ahorra nada: hay hasta una fellatio escrita musicalmente con todo lujo de detalles”. La ópera subirá en diciembre, con puesta en escena de Marcelo Lombardero y Daniel Tabernig, Santiago Burgi y Hernán Iturralde en los roles principales.

El tercer título de la Compañía es la reposición de Piedade, la ópera del brasileño Joao Guilherme Ripper sobre el asesinato del escritor Euclides da Cunha (Los sertones), que se estrenó el 2017 y volverá a subir en agosto y septiembre en la sala del CETC.